Tous les films du mercredi 16 au mardi 22 (semaine 202124)
C’est avec un immense plaisir que nous vous proposons de (re)découvrir sur grand écran ce classique plein de fantaisie, d’aventures et de malice qui ne cesse de séduire Petits et Grands. Retrouvons donc nos amies les grenouilles qui, sachant qu’un nouveau déluge va s’abattre, conviennent, à titre exceptionnel, de communiquer avec les humains pour les prévenir.
Quentin Dupieux poursuit son drôle de parcours cinématographique jalonné de quelques perles absurdes et décalées nom- mées Steak, Rubber ou encore Wrong Cops. Il porte ici à l’écran deux amis, peu en phase avec la réalité et peu surpris par ses surprises, qui, après avoir trouvé une mouche géante dans le coffre d’une voiture, se mettent en tête de la dresser afin de lui faire réaliser quelques rapines lucratives... Lymphatique et pince sans rire, Mandibules enchaîne les situations improbables, s’accommodant de toutes les invraisemblances et de l’inconséquence de tous les actes pour le simple plaisir de dérouler un récit baigné de soleil et mû par la complicité qui unit les personnages comme leurs interprètes.
Signé d’une Suzanne Lindon que l’on avait juste aperçu dans le film court de Sandrine Kiberlain, Bonne figure, 16 Printemps est une révélation : un véritable premier film qui impose, à seulement 20 ans, une actrice-réalisatrice !
Au doux cours d’un film qu’elle a commencé à écrire à l’âge de son personnage principal, Suzanne Lindon nous fait partager l’indécision, les flottements de... Suzanne, une adolescente qui s’ennuie avec celles et ceux de son âge et qui va être intriguée par un homme de 20 ans son aîné, qu’elle va timidemet mais sûrement approcher...
D’une grande délicatesse, avec finesse et une jolie fragilité, 16 Printemps refuse le drame, l’excès mais aussi la psychologie, pour épouser l’indéfini rapport au monde et aux autres de son personnage principal comme une très belle manière d’évoquer cet âge où l’on se cherche davantage que l’on se trouve.
The Father est une plongée en huis clos dans l’existence d’Anthony, un octogénaire dont la mémoire s’effrite peu à peu, et celle de sa fille Anne, qui tente de l’accompagner dans le labyrinthe de ses souvenirs.
Mieux encore qu’une expérience en réalité virtuelle, l’écriture de Florian Zeller - saluée de l’Oscar du meilleur scénario adapté - parvient de façon magistrale à nous transmettre le désarroi et la terreur du personnage, qui peine à rassembler les fragments de son histoire. L’interprétation d’Anthony Hopkins, également récompensée d’un Oscar, est aussi bouleversante : passant tour à tour d’une cruauté froide à une vulnérabilité totale, l’acteur livre une performance composite de ce personnage gagné par la sénilité.
Autant le dire tout de suite : Petite Maman est une très belle surprise !
Un film simple, limpide, minimaliste, sans effets superflus, tout entier centré sur des personnages – particulièrement des enfants – regardés, montrés avec attention, justesse, délicatesse, sensibilité.
Céline Sciamma retrouve cette manière de faire que l’on avait tant aimé dans Tomboy et brille à nouveau par cette façon, pleine d’humanité, d’accompagner ses personnages, de nous les rendre incroyablement proches, familiers. On est séduit, touché…
Autant le dire tout de suite également : on ne vous dira rien de ce que raconte ce film au titre si merveilleusement choisi. Plus encore : nous vous incitons très fortement à ne surtout rien lire à son sujet, à ne pas regarder sa bande annonce (ou éventuellement celle que nous avons concocté pour vous laisser l’entière surprise du récit). Il est tellement bon de se laisser surprendre par l’histoire que nous conte Céline Sciamma qu’il serait bien dommageable de laisser déflorer un secret…
Sachez donc juste que l’on aime et que l’on est touché par ce film tout simplement parce qu’il nous laisse vivre au côté d’un couple et surtout de deux jeunes enfants en faisant une expérience : celle de la vie qui avance et nous fait avancer, qui se projette vers l’avenir sans oublier le passé mais au contraire en s’en nourrissant. Merci Céline Sciamma de nous offrir cette histoire aussi élémentaire qu’incroyable et si riche de sentiments que nous avons toutes et tous au plus profond de nous.
C’est une famille, avec ses joies et ses difficultés, mais une famille dans un contexte ô combien difficile. Mustafa vit dans un village palestinien, quand Salwa et leurs enfants vivent en Israël. 200 mètres les séparent. Rien que 200 mètres. Mais au milieu, il y a le mur... 200 Mètres est, au départ, une chronique du quotidien - mais d’un quotidien empêché, bousculé, compliqué. Ameen Nayfeh brille d’abord par sa capacité à croquer cette réa- lité en trouvant le bon ton, la bonne distance pour saisir la réalité et la vitalité de cette famille dans son environnement hostile.
Et puis un accident va accélérer le récit et transformer 200 Mètres en une sorte de thriller palpitant mais aussi incroyablement fort dans sa capacité à dénoncer l’absurdité, la tension et la violence d’une situation saisie à hauteur d’hommes, de femmes et d’enfants, là où elle est vécue quotidiennement.
Le détective Mark Dixon se laisse trop souvent déborder par des excès de violence. Au cours d’un interrogatoire, il tue accidentellement un suspect qu’il questionnait au sujet d’un meurtre. Dépassé par la situation, il tente de faire accuser quelqu'un d'autre à sa place...
Six ans après Laura, Otto Preminger retrouve Gene Tierney et Dana Andrews mais pour faire cette fois de ce dernier le héros et le sujet de son film. Car au-delà de l'histoire qu'il raconte et de son talent à signer un (nouveau) remarquable et véritable film noir, Otto Preminger s'attache surtout à peindre ici le portrait trouble d'un détective cherchant continuellement à échapper à une enfance qui a fait de lui un homme violent. Un détective miné de l'intérieur, sorte d'anti-héros qui pré-figure des personnages de policiers que l'on retrouvera dans nombre de polars des années 1970 et même au-delà.
Mark Dixon, détective dit le titre français et cela 8
met directement en valeur les éléments clés du film noir qu'Otto Preminger maîtrise à merveille : l'atmosphère de la nuit, les gros plans de visages angoissés, les oppositions enre plongées et contre-plongées, le rythme trépidant, voire même ce jeu souvent auda- cieux avec des objets plus grands que nature.
Where The Sidewalk Ends (« Là où s’arrête le trottoir ») dit le titre original et cela souligne le caractère plus poétique et métaphorique du film, que le premier plan semble résumer, accompagnant les pas d'un homme qui va descendre du trottoir et s'engager dans la rue : un homme quitte un chemin tracé et sûr pour se jeter dans un espace de désordres. Le héros tourmenté d'Otto Preminger est aux prises avec un destin sombre qui en fait un héros de film noir mais c'est bien aussi la possibilité ou pas, pour lui, d'obtenir une sorte de rédemption qui sera le moteur du film.
Révélé en France en 2016 par le prix du Jury Un certain regard à Cannes pour Harmo- nium et plus largement connu depuis la sortie en 2020 de l’Infirmière, Kôji Fukada est peut-être le plus passionnant cinéaste japonais apparu ces dix dernières années.
Inédit en France, Hospitalité ajoute à ce sentiment en nous amenant dans la maison familiale de Mikio où celui-ci va accueillir le fils d’un ami de son défunt père.
Allant joyeusement de surprise en surprise, dans un emballement qui doit autant au thriller qu’au vaudeville, Hospitalité est une incroyable chronique, souvent amusante, parfois inquiétante, qui se révèle être autant une comédie morale qu’un film social, voire politique, sur le Japon d’aujourd’hui qui réjouit également par la dimension universelle de son propos.
Cela commence par une fête d'anniversaire. Un homme arrive et fait valoir sa présence hostile. Il a un cadeau. qui, quarante ans après, va faire rejaillir le passé, celui que l'on a voulu nier, taire....
C'était en 1960, Bernard, Rabut, Février et bien d'autres ont été appelés en Algérie. Ils avaient à peine vingt ans et ils ne savaient pas que les "événements" étaient une guerre. Ils ne savaient pas ce que l'on attendait d'eux. Ils ne savaient ce qui allait se passer, ce qu'ils al- laient voir, ce qu'ils allaient vivre...
Avec Des hommes, Lucas Belvaux revient sur l’histoire des soldats français pendant cette guerre qui ne disait pas son nom, et sur leur retour et les années qui ont suivi. Une réflexion profonde et morale sur une période trouble et ses conséquences.
Tourné à Ivry il y a deux ans, Gagarine s’inspire de deux réalités fortes et tangibles qu’il transporte dans la fiction : l'existence de la cité et ce que son nom peut évoquer, et sa destruction programmée.
À partir de là, Fanny Liatard et Jérémy Trouilh inventent un personnage : Youri, 16 ans, qui a grandi à Gagarine et rêve de devenir cosmonaute. Et ils le confrontent à cette destruction annoncée pour faire naître un véritable film d'aventures qui est en même temps un geste poétique : Youri va tout faire pour empêcher la destruction de ce qu'il considère comme "son vaisseau spatial".
Une petite escargote de mer s’ennuie sur le rocher d’un vieux port. Un jour, une grande baleine à bosse lui propose de l’emmener en voyage à travers les océans du globe.
Une amitié insolite pour une odyssée fabuleuse au cœur de la nature, de l’infiniment petit à l’infiniment grand.
Sorti en pleine campagne présidentielle états-unienne, City Hall associait à la grandeur du geste cinématographique, la clarté documentée d’un propos politique. Frederick Wiseman, souhaitant « montrer en quoi un gouvernement est neć essaire à la reú ssite d'un mieux vivre ensemble », soulignait à quel point « le gouvernement de la ville de Boston [dont il donnait à voir le travail de manière exemplaire] est le contraire de ce que représente Trump. Cette municipalité conçoit et s'efforce d'offrir ces services d'une manière conforme à la Constitution et aux normes deḿ ocratiques. » Hors ce contexte, City Hall, œuvre fleuve qui prend le temps de regarder, de montrer, d'accompagner pour nourrir sa réflexion, reste un document exceptionnel qui complète la filmographie déjà riche d’un grand cinéaste.
Tous les films du mercredi 23 au mardi 29 (semaine 202125)
Tourné à Ivry il y a deux ans, Gagarine s’inspire de deux réalités fortes et tangibles qu’il transporte dans la fiction : l'existence de la cité et ce que son nom peut évoquer, et sa destruction programmée.
À partir de là, Fanny Liatard et Jérémy Trouilh inventent un personnage : Youri, 16 ans, qui a grandi à Gagarine et rêve de devenir cosmonaute. Et ils le confrontent à cette destruction annoncée pour faire naître un véritable film d'aventures qui est en même temps un geste poétique : Youri va tout faire pour empêcher la destruction de ce qu'il considère comme "son vaisseau spatial".
Courge est un garçon sauvage ignore tout du monde moderne et a pour amis des fantômes et autres esprits qui hantent les lieux.Quand un jour, à l’orée du bois, il rencontre la jeune Manon... Entre conte initiatique et questions existentielles, ce dessin animé se distingue par son univers majestueux et son esprit totalement surnaturel.
Ce programme de quatre courts métrages montre avec douceur et tendresse l’univers de certains de ces « mal-aimés » auxquels les contes et légendes ou simplement les préjugés, ont malheureusement donné une mauvaise réputation.
Lorsque Suze Trappet apprend à 43 ans qu’elle est sérieusement malade, elle décide de partir à la recherche de l'enfant qu’elle a été forcée d'abandonner quand elle avait 15 ans. Sa quête administrative va lui faire croiser JB, quinquagénaire en plein burn out, et M. Blin, archiviste aveugle d’un enthousiasme à toute épreuve. Ce trio vivra ensemble une étonnante aventure...
En harmonisant parfaitement burlesque et lyrisme,Albert Dupontel, récompensé des César du meilleur film, du meilleur réalisateur et du meilleur scénario, marie émotions aigües et comique dans un moment de cinéma décalé mais fort. Touchant parfois presque au thriller, Adieu les cons interroge les codes du cinéma mais aussi ceux de la société.
Signé d’une Suzanne Lindon que l’on avait juste aperçu dans le film court de Sandrine Kiberlain, Bonne figure, 16 Printemps est une révélation : un véritable premier film qui impose, à seulement 20 ans, une actrice-réalisatrice !
Au doux cours d’un film qu’elle a commencé à écrire à l’âge de son personnage principal, Suzanne Lindon nous fait partager l’indécision, les flottements de... Suzanne, une adolescente qui s’ennuie avec celles et ceux de son âge et qui va être intriguée par un homme de 20 ans son aîné, qu’elle va timidemet mais sûrement approcher...
D’une grande délicatesse, avec finesse et une jolie fragilité, 16 Printemps refuse le drame, l’excès mais aussi la psychologie, pour épouser l’indéfini rapport au monde et aux autres de son personnage principal comme une très belle manière d’évoquer cet âge où l’on se cherche davantage que l’on se trouve.
Années 1980. La famille Yi, emmenée par le père, Jacob, s’installe en Arkansas dans un mobil home isolé entouré d’un grand terrain avec lequel Jacob entend devenir agriculteur en se spécialisant notamment dans la culture de légumes prisés par la communauté coréenne. Bientôt, la grand-mère viendra les rejoindre, que ne connaissent pas les deux enfants et notamment le petit David qui doit s’habituer à autant de changements... Grand Prix et Prix du public du dernier Festival Sundance, Minari est une chronique familiale ouvertement autobiographique qui parle tout autant de la manière dont un enfant s’adapte à son environnement qui change que de la façon dont son père veut vivre “le rêve américain”. Dans la lignée d’un cinéma états-unien parlant des anonymes, c’est un regard sensible et interrogatif sur une réalité rarement montrée, celle d’un désir de réenracinement.
Yougoslavie. Avril 1941. Un duo de musiciens tsiganes, l’un à l’accordéon, l’autre à la guimbarde, nous introduit en musique dans l’histoire qui commence. Une faune rocambolesque attend l’arrivée d’un bus qui doit les mener à Belgrade. Une fois montée à bord d’un tacot rutilant, conduit par un contrôleur zélé et son fiston un peu simplet, la joyeuse compagnie va vivre de nombreuses péripéties, toutes plus absurdes les unes que les autres...
Qui chante là bas ?, désigné meilleur film yougoslave par le Conseil Yougoslave de l’Académie des Sciences et des Arts en 1996, est une œuvre folle, un road movie burlesque et déjanté. Mais au-delà de la comédie inclassable, Dusan Kova- cevic, se tournant vers le passé pour mieux regarder le présent, porte un regard au vitriol sur la Yougoslavie de Tito pour une satire politique qui n’en devient que plus forte.
Terre, 2022. Les humains ont épuisé la quasi‐totalité des ressources naturelles de la planète. La ville de New York compte à elle seule plus de 40 millions d'habitants sous les effets de la pollution et de la surpopulation. Le détective Robert Thorn est chargé d'enquêter sur le meurtre de William Simonson, un nanti, dirigeant de Soylent, un conglomérat spécialisé dans la confection de produits alimentaires à base de plancton et appelés « Soleil rouge », « Soleil jaune » et « Soleil vert ». Avec l'aide de Sol Roth, un vieillard avec lequel il cohabite, Thorn va découvrir que Simonson n'a pas seulement été tué : il a été exécuté. Et tout ceci semble directement lié au secret de fabrication du « Soleil vert »...
Sorti en pleine campagne présidentielle états-unienne, City Hall associait à la grandeur du geste cinématographique, la clarté documentée d’un propos politique. Frederick Wiseman, souhaitant « montrer en quoi un gouvernement est neć essaire à la reú ssite d'un mieux vivre ensemble », soulignait à quel point « le gouvernement de la ville de Boston [dont il donnait à voir le travail de manière exemplaire] est le contraire de ce que représente Trump. Cette municipalité conçoit et s'efforce d'offrir ces services d'une manière conforme à la Constitution et aux normes deḿ ocratiques. » Hors ce contexte, City Hall, œuvre fleuve qui prend le temps de regarder, de montrer, d'accompagner pour nourrir sa réflexion, reste un document exceptionnel qui complète la filmographie déjà riche d’un grand cinéaste.
Tous les films du mercredi 30 au mardi 06 (semaine 202126)
Après une projection-test le 14 mars, une avant-première le 13 juin où il fut à chaque fois accueilli avec enthousiasme, le très beau film de Chloé Mazlo arrive, très logiquement, en sortie nationale au Luxy et nous espérons que vous serez encore nombreux(euses) à le savourer !
Embarquez donc avec Alice à la découverte d’un Liban coloré, lumineux et plein d’humanité et laissez-vous aller à cette façon si ingénieuse, attachante et émouvante qu’a Chloé Mazlo de dérouler les deux histoires d’amour d’Alice - avec Joseph et avec le Liban -, gardant cette si subtile manière de faire même quand le pays, dans un hors- champ juste et pudique, sombre...
Après Ernest et Célestine, Benjamin Renner nous emmène découvrir de nouveaux et surprenants héros : un renard qui se prend pour une poule, un lapin qui fait la cigogne et un canard qui veut remplacer le Père Noël. Tout un programme ! Des histoires drôles et trépidantes où la solidarité et l’amitié l’emportent.
Un café sur une route au milieu du désert. Voilà l’endroit où Malika vit et accueille ceux qui passent. Dans ce lieu improbable, singulier et inattendu, se raconte de nombreuses histoires humaines, comme si le désert environnant permettait à la parole de s’exprimer encore plus fortement.
Parler. Échanger. Hassen Ferhani se glisse avec beaucoup de pudeur auprès de Malika et laisse affleurer le portrait émouvant d’une femme forte, drôle et touchante, qui se place comme un pivot entre le désert et l’humain. Avec attention et délicatesse, en sachant juste “être là” pour restituer ce qui s’y passe, le réalisateur donne toute sa grandeur à ce café, véritable royaume de vie pour une âme vaillante, vertueuse, libérant la parole et clamant son indépendance.
Tourné à Ivry il y a deux ans, Gagarine s’inspire de deux réalités fortes et tangibles qu’il transporte dans la fiction : l'existence de la cité et ce que son nom peut évoquer, et sa destruction programmée.
À partir de là, Fanny Liatard et Jérémy Trouilh inventent un personnage : Youri, 16 ans, qui a grandi à Gagarine et rêve de devenir cosmonaute. Et ils le confrontent à cette destruction annoncée pour faire naître un véritable film d'aventures qui est en même temps un geste poétique : Youri va tout faire pour empêcher la destruction de ce qu'il considère comme "son vaisseau spatial".
Années 1980. La famille Yi, emmenée par le père, Jacob, s’installe en Arkansas dans un mobil home isolé entouré d’un grand terrain avec lequel Jacob entend devenir agriculteur en se spécialisant notamment dans la culture de légumes prisés par la communauté coréenne. Bientôt, la grand-mère viendra les rejoindre, que ne connaissent pas les deux enfants et notamment le petit David qui doit s’habituer à autant de changements... Grand Prix et Prix du public du dernier Festival Sundance, Minari est une chronique familiale ouvertement autobiographique qui parle tout autant de la manière dont un enfant s’adapte à son environnement qui change que de la façon dont son père veut vivre “le rêve américain”. Dans la lignée d’un cinéma états-unien parlant des anonymes, c’est un regard sensible et interrogatif sur une réalité rarement montrée, celle d’un désir de réenracinement.
Il est peu de dire que My Zoé est une surprise. D’abord parce que ce film se distingue clairement des films précédents de l’actrice-réalisatrice, abandonnant un ton de comédie parfois déjantée, pour imposer un cinéma plus posé, sourd et même grave. Ensuite parce que le film - que l’on se gardera bien de résumer et dont nous vous conseillons de ne rien savoir avant d’aller le voir - déroule un récit inattendu dont le virage, à la moitié du film, est absolument imprévisible. Nous nous contenterons donc de souligner cette surprise, d’insister sur l’émotion avec laquelle l’actrice-réalisatrice nous empoigne littéralement avant de diffuser un trouble qui nourrit une réflexion complexe et sensible.
Si l’on s’en tenait à son histoire, Une vie difficile donnerait le sentiment d’un film triste et désabusé. Il faut donc d’emblée, pour celles et ceux à qui ce fleuron de la comédie italienne ne dit rien encore, souligner qu’il s’agit, justement, d’une comédie et que la finesse et la subtilité de Dino Risi parviennent à faire rire sans se moquer des désillusions de Silvio à qui Alberto Sordi prête merveilleusement son air malicieux et lunaire. Débutant durant la Seconde Guerre mondiale pendant laquelle Silvio rejoint la Résistance, Une vie difficile dresse, sur quinze années, le portrait d’une Italie en pleine mutation. L’inadéquation de Silvio l’idéaliste, le pur - à moins qu’il soit juste anticonformiste -, avec la société qui l’entoure, est autant source de gags que d’une réflexion sur les mœurs hu- maines qui reste totalement d’actualité.
Sorti en pleine campagne présidentielle états-unienne, City Hall associait à la grandeur du geste cinématographique, la clarté documentée d’un propos politique. Frederick Wiseman, souhaitant « montrer en quoi un gouvernement est neć essaire à la reú ssite d'un mieux vivre ensemble », soulignait à quel point « le gouvernement de la ville de Boston [dont il donnait à voir le travail de manière exemplaire] est le contraire de ce que représente Trump. Cette municipalité conçoit et s'efforce d'offrir ces services d'une manière conforme à la Constitution et aux normes deḿ ocratiques. » Hors ce contexte, City Hall, œuvre fleuve qui prend le temps de regarder, de montrer, d'accompagner pour nourrir sa réflexion, reste un document exceptionnel qui complète la filmographie déjà riche d’un grand cinéaste.
L’Opéra de Paris Bastille. Les Indes galantes de Jean-Philippe Rameau. Huit chanteur(euse)s lyriques. Un orchestre symphonique. Trente danseur(euse)s de hip-hop, flexing, break, krump et voguing. Un réalisateur invité à monter Les Indes galantes dans le prolongement d’un film court où il avait signé - avec puissance et jubilation - la rencontre entre l’opéra et des danseurs de krump. Une chorégraphe avec laquelle il avait déjà travaillé sur le film court...
C’est le casting de ce film à ne pas manquer, accueilli avec euphorie lors d’une projection-test au Luxy le 2 mai dernier, récit, en totale immersion et complicité, de cette magnifique aventure humaine, aux échos politiques plus qu’évidents, que Philippe Béziat nous offre avec le talent d’un réalisateur qui connaît l’opéra et les aventures humaines et les filme et les raconte avec force et émotion.